EXPOSICIONES

La obra invita a reimaginar el pasado como un viaje sensorial y emotivo que rescata memorias y espacios olvidados. Plantea preguntas sobre cómo reconstruir un ayer que nunca se vivió, iluminando rostros de sombras y calles que susurraron historias. Giana De Dier interviene imágenes de archivo en un acto de arqueología visual y emocional, tejiendo un imaginario entre lo posible y lo incierto. Con nostalgia y romanticismo, su propuesta evoca una memoria colectiva profunda, dando voz a lo efímero y a lo perdido.

Nathan Ritterpusch (n. 1976) es un pintor estadounidense cuyas obras examinan nuestras formas de ver. Tanto realistas como gestuales, sus pinturas se basan en referencias fotográficas que luego se distorsionan mediante técnicas como el difuminado, la superposición y el collage, entre otras. En Beckon, el artista nos invita a rendirnos ante el tema de sus obras. A través de una colección de sirenas de Hollywood y composiciones florales, examina la silenciosa autoridad de la belleza, llamando al público a sumergirse en las profundidades de un poder tan antiguo como el tiempo.

Una piel inmóvil de color sostiene una mirada inquieta: ¿una pintura, una flor? La capacidad simbólica y ornamental de las flores no la forjamos los humanos, sino al revés: vemos gracias a ellas. Se considera que la visión de los colores se desarrolló principalmente para reconocer plantas –fuentes de medicina, dulzura y nutrición– y las flores son la manera más precisa de identificarlas. Es decir, de no ser por las flores, no existiría la pintura. A este punto de la historia, lo floral es un horror vacui de simbolismos: capas de deseos y miedos proyectadas sobre capas de asombros y lamentos de índole económica, religiosa, íntima. Poderosas esencias de significados se destilan y preparan con imágenes de flores.

El dúo de artistas Donna Conlon y Jonathan Harker son maestros observadores, convirtiendo su perspectiva única en conmovedoras obras de videoarte que han llamado la atención del mundo del arte y más allá. En colaboración desde 2006, Conlon y Harker han producido dieciocho trabajos en video hasta la fecha, los cuales comentan sobre la vida con un sentido del humor y una sutileza incomparables. Este cuerpo de trabajo se muestra por primera vez en su totalidad en esta exposición, haciéndose accesible a un público más amplio en Panamá, el hogar elegido por ambos artistas.

Por primera vez en Latinoamerica, Samuel Fosso: Encontrarse en el otro es un recorrido por casi 50 años de trayectoria de este artista camerunés-francés que trabaja en la intersección de fotografía y performance. La obra de Fosso, tan personal como universal, examina la identidad africana a través de sus héroes y estereotipos, y a la vez nos invita a reflexionar sobre nuestras propias raíces e identidades.

Hasta Aquí Era Agua es una exposición donde los autorretratos de cinco artistas internacionales convergen con los testimonios en distintos formatos de mujeres en Santa Ana. Dentro del mismo espacio, evocan un diálogo en torno a las transformaciones del cuerpo y del territorio.

"Larry Fink: An American Life", una exposición sin precedentes en la región, constó de 75 fotografías en blanco y negro del reconocido artista, abarcando desde obras muy tempranas sobre la vida en Manhattan, Harlem, el Bronx, la Quinta Avenida y el bohemio Greenwich Village, hasta un autorretrato de 2015 tomado en su casa, en la zona rural de Martins Creek, Pennsylvania, cubriendo más de medio siglo de la historia personal de Larry Fink e invitando a los espectadores a examinar su vida "americana". Curada por Marcello Marvelli, la exposición estuvo acompañada por un catálogo con ensayos de Fink, Marvelli y Adrienne Samos. Fluctuando entre la improvisación, una intuición incomparable, el "ojo de un trotamundos" y un "estado obsesivo de asombro", Fink invita a los espectadores a recorrer su impresionante cuerpo de trabajo y a conectar a través de una amplia programación interdisciplinaria que contó con diversos diálogos, talleres y un inolvidable evento musical.

“Miradas: Retratos en la fotografía contemporánea”, la primera exposición organizada por Casa Santa Ana, exploró la relación compleja y cómplice entre el retratado, el fotógrafo y el observador. Esta exposición —curada por Johann Wolfschoon— motivó a los espectadores a preguntarse “qué distingue un gran retrato del raudal de imágenes que inundan el ciberespacio, las calles, las galerías, los celulares y nuestras complicadas vidas”, como explica Adrienne Samos en el catálogo de la muestra.